El fantasma del escritor negro

Roman Polanski no ha tenido una vida fácil… de niño vivió la segunda guerra mundial y sufrió la ejecución de su madre. En abril de 1969 su esposa, Sharon Tate, es brutalmente asesinada cuando esperaba un hijo. En 1977 se ve involucrado en nada menos que la violación de una muchacha de 13 años. Esta acusación ha marcado las últimas décadas de la vida del director, hasta que el 26 de septiembre de 2009 es detenido en Zurich. Y ha sido durante su arresto domiciliario cuando Polanski ha terminado de montar “The ghost writer” (aquí llamada “El escritor” que sin duda suena mejor que “El negro”).
La historia nos pone en la piel de un escritor sin nombre que es contratado para redactar la “autobiografía” de cierto ex primer ministro británico sospechosamente parecido a Tony Blair. El problema es que el anterior escritor en aceptar ese trabajo resultó muerto. Según la versión oficial, se suicidó. Como parece evidente, ninguno de los personajes resulta ser quien dice y pronto nuestro sufrido protagonista se verá envuelto en una compleja conspiración…
A destacar la inmensa banda sonora de Alexandre Desplat que junta auténtica emoción de Hollywood con toques circenses, lo cual acentúa la ironía del propio argumento. No existe demasiado humor como tal pero, igual que en la propia vida, es fácil reír ante el drama. No por que esté mal rodado sino, precisamente, por haber sido rodado por un auténtico genio.


También resulta curioso como la promoción ha resaltado la imagen de Pierce Brosnan como el compañero de reparto de Ewan Mc Gregor cuando su rol, si bien central, apenas acapara unos pocos minutos en pantalla. Ni que decir tiene que ambos actores están inmensos en sus papeles. Las protagonistas femeninas, Kim Cattrall y Olivia Williams también construyen personajes que logran gran profundidad con unas pocas líneas de diálogo.
Basada en la novela de Robert Harris (que también ejerce como guionista), “El escritor” es la obra más abiertamente política y arriesgada en la carrera de Polanski. Cualidades que se agradecen en esta era de guiones clónicos.
La narración es lineal, directa y sin trucos, pero logra siempre mantener nuestro interés y engañarnos en más de una ocasión. La trama no cae en el giro absurdo, la sorpresa fácil ni la mutilación argumental tan propia del género. Pero aun con todo, las respuestas que proporciona el filme se nos antojan insuficientes. No por cantidad (es agradable ver como una película te supone inteligente y dosifica la información con buen gusto) sino por calidad. Y es que, sin destripar nada de la trama, el misterio en el cual se sostiene toda la tensión parece poco satisfactorio una vez revelado. Claro que, ¿no es ese el fallo de todo thriller, incluidos las obras más celebradas de Alfred Hitchcock?
No estamos ante el mejor título de Polanski, pero claro, hablamos del hombre que ha rodado “La semilla del Diablo”, “El pianista” o la mejor versión de “McBeth”.
Poco más queda por decir: Id al cine, amigos y disfrutad de este relato de suspense de corte clásico en glorioso 2d.

La espada salvaje de Roberto

Sir Christopher Lee: héroe del METAL

Este es mi único Dios:





¿Cutre? quizás. ¿Se puede molar más? Imposible.

End of an AGE (o algo así)

Ya está. Todos sabíamos que, tarde o temprano, este día llegaría: Muchachada Nui ha terminado. Para siempre. La entropía alcanza a todos los entes, por rápido que estos corran. Pero para los que quedamos en el mundo, eso siempre es un suceso triste. Y en esta ocasión, trágico.

Pues esto no significa sólo el fin del programa "Muchachada Nui". ¡¡Significa el fin definitivo del magazine chanante!! Efectivamente, mis hermanos, no sólo no habrá nueva temporada del susodicho título sino que el formato también desaparece. Y es que si "Muchachada" fué la continuación lógica de la "Hora chanante" cuando el equipo pasó de Paramount Comedy a La 2, ahora que han sido contratados por Antena 3, dicen querer hacer "algo diferente". Quizás ficción.

Tampoco me malinterpretéis: que igual les sale una serie majísima, pero ya no será lo mismo. ¡Siempre es triste que se te muera el perro, diantre! ¡Sustituirlo por otro más grande y más bonito no significa nada!



Los cuatro últimos episodios ya son historia de la tele. Yo soy de los idiotas que se lanzaron a criticar a los humoristas durante las dos últimas temporadas con la excusa de que "han bajado el nivel". Mas he de admitir que los episodios 11, 12 13 y 14 de la tanda final sólo pueden calificarse de BRILLANTES. El 13 cumplió perfectamente su función de "clímax de la saga", conteniendo un par de sketches verdaderamente descacharrantes. El 14 incluía cerca de 60 minutos de chorradas escogidas por los fans entre las cuatro temporadas anteriores. No estoy de acuerdo al 100% con la selección, pero hay que admitir que son piezas muy divertidas.

No voy a poner ningún video para homenajear el ingenio de nuestros amigos de Albacete puesto que asumo que ya los habéis visto y si no, podéis encontrarlos todos en youtube o la página de rtve. Esperemos que el blog oficial del programa dure algún tiempo y que el twitter de Enjuto Mojamuto siga activo...

Pronto podremos disfrutar de nuevas y estrafalarias aventuras en Neox. Y esperemos que el espíritu absurdo no abandoné las ondas de TDT en muchos años.

Habréis notado que en mi texto no he incluido ni una sola palabra proveniente del excelso vocabulario albaceteño ni notas de humor absurdo. Esto, evidentemente, es como muestra de respeto hacia unos grandes cómicos con los cuales no tengo la menor intención de competir.

Vale más una nota que mil planos digitales (PARTE III)

Howard Shore debía de haber realizado en 2005 la banda sonora del remake de King Kong (el compositor incluso tiene un cameo en la película), pero fue despedido en el último momento por razones oscuras.

El elegido para sustituirle fue James Newton Howard quien, muy contrariamente a como suele ocurrir en estos casos, logró un score excelente, con un muy buen tema principal y acompañando fielmente las imágenes, llegando a atenuar algunas situaciones ridículamente exageradas con un halo de emotividad épica.


James Newton Howard es especialmente conocido por escribir todas las partituras de los filmes de horror sobrenatural de M. Night Shyamalan. Los cada vez más infumables bodrios del director hindú han contado, sin embargo, con el increíble talento de este compositor, que alcanzó sus máximas cotas de esplendor musical en “La joven del agua”. También merece la pena destacar su participación junto a Hans Zimmer en el díptico de Christopher Nolan “Batman begins”/ “The dark knight”.


Hans Zimmer es otro indiscutible gigante del cine de aventuras moderno. Líder de la “Remote Control Productions” (antes conocida como “Media Ventures”), este célebre compositor ha participado en más de 40 filmes y su factoría es, actualmente, la más popular de Hollywood. Desgraciadamente, en los últimos años a Zimmer y sus “mediaventureros” les han caído docenas de críticas por repetirse continuamente buscando fórmulas ya probadas, algo que es verdad en gran medida. Sin embargo, siempre recordaremos a Zimmer por la excelente partitura épica de “Gladiator”.


Danny Elfman es especialmente conocido por sus colaboraciones con Tim Burton, que han dado frutos la mar de interesantes. Véanse las dos primeras entregas de “Batman” (retomando un poco el tema del hombre-murciélago), cuya banda sonora capta tanto la parte heroica del personaje como toda su oscuridad.


Imposible ignorar también los divertidísimos temas de “Bitulchús” o “Mars Attacks”. Aunque su trabajo más conocido para el gran público es la pegadiza sintonía de “Los Simpson”. También son interesantes sus aportaciones al cine de superhéroes (“Darkman”, “Spiderman”), acompañado del director Sam Raimi. Pero, en opinión de quien esto suscribe, el mejor trabajo de toda la carrera del sr. Elfman son las canciones que componen el núcleo de la nueva versión de “Charlie y al fábrica de chocolate”. Cinco piezas divertidísimas, que captan toda la poesía e ironía de Roald Dhal y muy superiores musicalmente a la sosa cantinela de la versión de 1971.


De Jerry Goldsmith se puede decir mucho. Por ejemplo, que su música para “El primer caballero” era lo único bueno de la película. O que sus composiciones para las primeras películas de “Star Trek” marcaron a multitud de aficionados en todo el mundo. Pero aún se puede decir mucho más. Y es que aunque, desgraciadamente, nos abandonó en 2004, las composiciones de este maestro todavía siguen utilizándose en títulos actuales tales como cortometrajes, las nuevas entregas de “Rambo” o la misma gala de los Oscar. Por supuesto, no podemos terminar este artículo sin mencionar la gamberra sintonía que suena en los títulos de crédito de “Gremlins”.


En 1999 Goldsmith sustituye a Graeme Revell para componer la banda sonora de "El guerrero número 13" (una de esas películas que en su día fracasaron estrepitosamente pero que hoy cuenta con legiones de admiradores). El filme es una adaptación de la novela de Michael Crichton "Los devoradores de cadáveres" que, a su vez, está inspirada en el poema épico inglés "Beowulf". El rodaje estuvo plagado de problemas y el primer montaje desagradó a casi todo el mundo de forma que se volvió a editar la película y se grabaron nuevas escenas que dirigió el propio Crichton. El hilo musical de Goldsmith engrandece el resultado final con espectaculares coros y una marcha verdaderamente heroica.


Alan Silvestri (habitual del cine de acción) parecía llevar una década artísticamente muerto, tras sus geniales aportaciones en los 80 con la saga “Regreso al futuro”. Pero ha vuelto de la tumba, más grande y más fuerte. El mejor ejemplo es su impresionante partitura para el “Beowulf” de 2007 (una historia con un buen guión y excelente dirección totalmente destruida por esa abominación técnica que es el motion capture). Este trabajo de 2007 superó con mucho todas las expectativas, incluyendo pasajes de potente percusión, trompas esplendorosas e incluso un par de canciones de arpa medieval.


Y hasta aquí esta pequeña disertación sobre el plano melódico en la ficción cinematográfica de corte legendario. Bonita frase, ¿no es cierto? Considerando la cantidad de información que he condensado, creo me ha quedado un artículo la mar de mono.

Como última recomendación: manden al cuerno todo lo que he dicho y comprueben ustedes mismos si tengo o no razón en mis conclusiones. Disfruten del trabajo de estos genios como se merece: con unos buenos altavoces y una taza de chocolate caliente.


Quiero despedirme con una cita del propio John Ronald Reuel Tolkien, extraída de su ensayo “Sobre los cuentos de hadas”:

Ancho, alto y profundo es el reino de los cuentos de hadas, y lleno todo él de cosas diversas. Hay allí toda suerte de bestias y pajaros, mares sin riveras e incontables estrellas... belleza que embelesa y un peligro siempre presente... La alegría, lo mismo que la tristeza, son afiladas como espadas. Tal vez un hombre pueda sentirse dichoso de haber vagado por este reino... pero su misma plenitud y condición arcana, atan la lengua del viajero que desee describirlo.

Y mientras está en él, le resulta peligroso hacer demasiadas preguntas, no vaya a ser que las puertas se cierren y desaparezcan las llaves.

Vale más una nota que mil planos digitales (PARTE II)

De los muchos logros que se le pueden atribuir a John Williams, probablemente el más importante sea la recuperación del leitmotiv wagneriano, una herramienta musical que relaciona ciertas situaciones o personajes con sintonías recurrentes. A finales de los 70 estaba completamente perdido en la mayoría de largometrajes y él lo recuperó. Por ejemplo, en el “Drácula” de 1979, nuestro autor favorito utilizó su talento para crear una hermosa sinfonía que acompañara al conde transilvano cada vez que hacía acto de presencia.

Curiosamente, la banda sonora de Williams, aun poseyendo ese gran tema principal, palidece ante la del desconocido Wojciech Kilar, que realiza una partitura interesantísima para la desasosegante adaptación del mito que realiza Francis Ford Coppola. Claro, que la versión en la participó Williams tampoco merecía mucho más: una obra de teatro hortera protagonizada por un jovencísimo Frank Langella presumiendo de pelazo y con la camisa abierta al más puro estilo Nacho Cano.


Y siguiendo con los vampiros, bien podríamos decir que el archienemigo del Conde Drácula es James Horner. Por que se repite más que el ajo. Este célebre compositor de Hollywood ya tiene dos oscars en su haber, ambos por “Titanic”, aunque probablemente el mejor trabajo de su carrera sea en la infravalorada cinta de fantasía heroica de 1983 “Krull”. Cinco años después firma el score de “Willow”, a partir del cual ha sido incapaz de aportar la menor originalidad a su trabajo, copiándose a sí mismo o realizando sospechosos homenajes a compañeros de profesión. Los ejemplos más lamentables serían sin duda “Troya” y “Avatar” en los cuales a la falta de imaginación se añade una sobreutilización del tema del peligro que resulta vergonzosa. El susodicho tema del peligro no es otra cosa que tres notas encadenadas que Horner debe considerar el culmen de su carrera pues no puede evitar incluirlas constantemente en todas las películas en las que participa.


Regresando con “Troya”, el mediocre trabajo de Horner sustituía a una partitura verdaderamente maravillosa de Gabriel Yared que, de forma totalmente incomprensible, fue tachada de “demasiado pomposa” por los espectadores de los pases previos de la película. Los productores tomaron la absurda decisión de, a un mes del estreno, cambiar al compositor. La banda sonora compuesta por Yared posee tanta calidad que en cuanto aparecieron en la red unos cuantos minutos de música, miles de aficionados en todo el mundo afirmaron la abismal diferencia de calidad entre ambas obras. Se trata, probablemente, del mejor trabajo de su autor, con un uso impecable de la instrumentación y el leitmotiv, plagada de momentos imperecederos que nos recuerdan al mejor Herrmann. Otra obra capital sin trono…

Actualmente, existe una edición en CD con las grabaciones originales de Yared, lanzada por una marca alemana que aprovechó cierto vacío legal. Sin embargo, Warner Brothers sigue poseyendo los derechos del material y no parece tener la menor intención de utilizarlo en futuras producciones o publicarlo como se merece.


Pero no nos desviemos del tema: no se puede realizar un análisis de las bandas sonoras en el cine fantástico sin mencionar a Basil Poledouris. De origen griego pero nacido en los Estados Unidos (Missouri), este genial compositor murió de cáncer en noviembre de 2006. Evidentemente, el punto álgido de su carrera es la banda sonora de “Conan el bárbaro” de 1982, que se convirtió automáticamente en un referente para todos los compositores de cine fantástico. Se trata de una música tan hermosa como salvaje, tan sinfónica como evocadora, tan clásica en su elaboración como rebelde en su planteamiento. Los cortes Anvil of Crom, Theology/Civilization y Battle of the mounds son difíciles de olvidar para cualquier buen amante de la música. Otros de sus trabajos más destacables son el potente tema del largometraje “Los señores del acero” (que nos retrotrae con maestría a una sucísima Edad media) o la banda sonora de esa cínica parábola espacial llamada“Starship troopers”. Poledouris aportaría su talento sin tan elevados resultados en la mediocre “Conan el destructor”.
La última vez que la partitura de “Conan el bárbaro” se tocó en público dirigida por su autor original fue en Úbeda, el 22 de Julio de 2006, poco después de que un entregado Poledouris se hubiera sometido a una complicadísima operación.


De los mundos de espada y brujería saltamos a la alta fantasía de J.R.R. Tolkien…

Evidentemente, ahora voy a referirme a cierta saga que incluye a varios señores y un célebre anillo. Como ocurría al mencionar al bueno de John Williams, nos encontramos ahora ante un problema fundamental: queda muy poco que disertar sobre una obra tan premiada, admirada y comentada.


Planteada por el propio compositor como una ópera en seis actos, la magna opus de Howard Shore presenta un cuidado exquisito en el menor detalle, dejando en un pésimo lugar a TODAS las interpretaciones musicales anteriores de la obra de Tolkien. Mezclando el estilo sinfónico de los maestros del XIX con el Hollywood más clásico y ecos de viejas culturas europeas, Shore construye un score perfecto, sin fisuras, que ya ha entrado en la historia del cine. Desde las mazmorras de Isengard hasta el encendido de las almenaras, pasando por la traición de Gollum o la batalla del abismo de Helm, las más de cinco horas de música que componen esta composición captan a la perfección toda la magia, terror, grandiosidad y misterio de la Tierra Media, superando en más de una ocasión a las imágenes que acompañan. Evidentemente, se trata del trabajo de mayor calidad, complejidad y duración de su creador. Algo que este sabe hasta el punto de que este lleva dedicada la última década de su carrera a dirigir conciertos en directo en todo el mundo de lo que ha llamado “El señor de los anillos: una sinfonía en seis movimientos”.



CONTINUARÁ...

Vale más una nota que mil planos digitales (PARTE I)

“Canta oh, musa, la cólera del Pelida Aquiles”.

-La Ilíada, Homero. Siglo VII A.C.

Desde el principio de los tiempos la música ha sido tan importante como las palabras para comunicar mitos. Los héroes de leyenda vivían sus peripecias entre rimas y sonatas, alrededor de hogueras y a través de los labios de los bardos.

Hoy día no nos reunimos junto al fuego, sino frente a una inmensa pantalla (en ocasiones llevando unas molestas gafas de plexiglás) pero el resultado es muy parecido. Ver moverse al tipo del látigo y el sombrero no tiene sentido hasta que entra esa enérgica melodía para acompañar sus hazañas.

Para la mayor parte de los mortales las “bandas sonoras” son esos molestos baches que pone el ayuntamiento para reducir la velocidad. Para menos personas, se trata bonitos discos repletos de canciones pop que, curiosamente, no aparecen en ningún momento en la película a la cual el título del recopilatorio hace referencia. ¡Cuantas veces habremos oído afirmar por televisión que la banda sonora del “Señor de los anillos” era de Enya o que Prince había hecho un estupendo trabajo con “Batman”!

Sin embargo, existe una aldea de irreductibles galos que conocen a los autores de estas artes infravaloradas y disfrutan con su trabajo de lo lindo. ¿Por qué uno puede pasar el rato oyendo un disco de Oasis o Motorhead pero está mal visto disfrutar de una tarde soleada junto al “Beowulf” de Alan Silvestri?

El gran Ray Harryhausen, mago de los efectos especiales y contador de historias nato, dijo en una ocasión que en una buena película de fantasía el diálogo se reduce al mínimo y la música cobra un valor esencial. El poder de “lo maravilloso” se sustenta en las ilusiones. Y esas ilusiones se consiguen siempre combinando imágenes impactantes con sintonías evocadoras como en una buena ópera. Lo interesante de los mundos imposibles no es sentir que podemos pisarlos, sino disfrutarlos, rodeados por el sortilegio.


No se puede negar que el cine fantástico siempre ha estado ligado a sus potentes temas musicales. Incluso en la era del cine mudo, las partituras de “El ladrón de Bagdad” o “Los nibelungos” se consideraban importantes (recordemos que los mejores cines de los años 20 contaban con una orquesta propia). En los años 30 las producciones de horror de la Universal se preocupaban en incluir evocadora música clásica en los títulos de crédito. King Kong apoyaba la grandiosidad del simio con el magnífico trabajo musical de Max Steiner.

Pero habría que esperar hasta finales de los 50 para ver un auténtico oficio en el género. Los dos primeros grandes compositores de cine fantástico de aventura son Bernard Herrmann.y Miklos Rózsa. Al primero, más allá de sus numerosas colaboraciones con Alfred Hitchcock, le recordamos por “Simbad y al princesa”, “Viaje al centro de la tierra” o “Jasón y los argonautas” mientras que el segundo nos regaló magníficas composiciones en numerosas producciones épicas tales como “Ivanhoe”, “Ben-Hur”, “El Cid” o la entretenidísima “El viaje fantástico de Simbad”.


Y así, como suele decirse, es como llegamos a nuestros días. Claro, que si el tema de hoy van a ser las bandas sonoras en el cine fantástico moderno, hay un nombre y sólo uno que merece ser mencionado en primer lugar: John Williams.

¿Qué decir de nuestro admirado John Williams que no sepamos ya todos? Este hombre es, con toda probabilidad, el mejor compositor de bandas sonoras vivo. Aunque nos ha decepcionado con sus últimos trabajos (el nuevo siglo no esta sentando nada bien a este genio), sería absurdo no resaltar sus logros del pasado. ¿Quién no ha tarareado la mítica sintonía de “Indiana Jones”? ¿Quién no se ha encogido de terror al oír los acordes de “Tiburón”? ¿Quién no se ha emocionado con las letras amarillas de “Star Wars” acompañados de tan poderosa fanfarria? ¿Quién no conoce el legendario tema de “Superman”? ¿Quién no ha recordado momentos mejores con la melancólica melodía de “Parque Jurásico”?


Este neoyorquino de setenta años cuenta ya con cinco oscars y 45 nominaciones, unos honores la mar de merecidos que le han brindado la fama que posee actualmente. Habitual de Spielberg, no hay año desde 1972 en el que no nos regale una o dos obras maestras nuevas. Incluso las espantosas precuelas de “Star Wars” quedan dignificadas por los potentísimos temas de este maestro (véase como ejemplo el corte Duel of the fates de “La amenaza fantasma”).

Hablando de “La guerra de las galaxias”, es difícil continuar escribiendo sin remarcar el trabajo realizado en los episodios originales de la saga, plagado de hallazgos magníficos que llegan a rivalizar con “Los planetas” de Gustav Holst… y no es una comparación gratuita, pues esa era originalmente la música que George Lucas tenía intención de incluir en sus filmes, antes de ser convencido para usar banda sonora original. ¡Lo que nos habríamos perdido!



CONTINUARÁ...

Las cosas que DE VERDAD estropean "The return of the king": no acepte imitaciones

Vale, ya estoy escribiendo en "periodo vacacional". Pero que asco me doy. Por cierto, os aviso, por si no os fijais en los detalles, que he cambiado mi "lista de cosas que hacer antes de morir".

Hoy vamos ha hablar de EL SEÑOR DE LOS ANILLOS, para variar. Y nos vamos a quejar de cosas, para variar también. Cada día este blog se gana un puesto entre los veinte más originales de internet...

Quiero entrar en materia con el Retorno del rey. Por que, a pesar de ganar toneladas de premios y galones de dinero (que todos sabemos que es un bien líquido), casi todos coincidimos en que es el menos interesante de los tres episodios de la saga. No calificaré la película como adaptación del original de Tolkien. Esa es otra historia muy compleja y yo sólo quiero hablar de los valores cinematográficos puros de este título. Como siempre, me refiero a la versión "básica" del filme, ya que la "extendida" tiene sus propios méritos y defectos.

La cuestión es: las pelis estas tienen un casting impresionante, una estética maravillosa, y, lo más importante, UNA DE LAS MEJORES BANDAS SONORAS DE LA HISTORIA MUNDIAL. Son, sin duda, grandísimos títulos de fantasía, épica y aventura.

Pero hay algunos momentos concretos que producen bastante vergüenza ajena. Son como diminutos pastiches ajenos al resto de la producción que emborronan un poco el resultado final.

Aunque cualquiera que haya visto la versión de Ralph Bakshi sabe que Jackson se basó más en aquel guión que en las novelas originales a la hora de diseñar la historia. Quizás es esa la razón primordial por la cual las dos primeras partes tienen un ritmo excepcional y la tercera "pincha".

Muchos se han quejado de que este último capítulo no contiene las virtudes que hacían tan interesantes los dos anteriores... ¡¡Pero hay que quejarse CON CRITERIO, leches!!

Me parece acojonante que tras diez años (DIEZ AÑAZOS YA) la gente siga quejándose de las mismas CHORRADAS y que las cosas que de verdad me hicieron hervir la sangre en el cine pasen desapercibidas para la mayor parte de los humanos.

Las dos memeces más frecuentes que se oyen en el mundo mundial son:

-¿Por que Frodo no va directamente en un águila?

Bien, para cualquiera que haya atendido a los acontecimientos narrados, esta afirmación es una solemne GILIPOLLEZ. Si la misión de nuestros protagonistas se basa en el secreto, viajar a lomos de un pollo gigante no parece la mejor idea. Es como entrar en Alemania del Este con un chaleco reflectante y una peluca de payaso.

Es evidente que las águilas sólo aparecen en un par de momentos clave por que son los únicos momentos en los que pueden aparecer. Se llegan a pasar de listos y los Nazgules las atrapan, los orcos las atraviesan a flechazos o el Ojete sin Párpado les lanza un rayo ígneo.



-¿Por que el final es tan largo?

Hace falta ser tontaco para creer que existía la menor posibilidad de incluir "el saneamiento de la comarca". Habiendo dicho esto, aclararé que la resolución de quince minutos me parece de lo más lógica considerando que la peli entera dura, en realidad, unas 10 horas. ¿Puede llegar a aburrir al espectador casual? Pues sí. ¿Podía haberse hecho mejor? Por supuesto. Pero es una de las pocas decisiones de cuantas toma Jackson basada en ideas artísticas o dramáticas... y no en hacer el relato más simple, espectacular o accesible.



Y ahora vamos con lo que de verdad tiene delito. Con las mierdas. Las megamierdas. Esas cositas que, por poco, se cargan toda la puñetera trilogía. Cuatro detalles muy concretos que, sin embargo, a mi me afectan como un Puñal de Morgul.

Entremos en materia, amiguitos. Pero preparad unos clínex por si os sangran los ojos:

-La muerte de Denethor.

No sólo Gandalf MATA a Denethor (demostrando una vez más que cuando dejó los porros se convirtió en un militar de ultraderecha) sino que el pobre senescal con problemas mentales sale corriendo dando alaridos con la ropa envuelta de fuego, llega hasta la parte más alta de la ciudad de Minas Tirith y, una vez allí, se tira al vacío. ¿Que mierda me estás contando?

Según los audiocomentarios del DVD, esta escena tan sumamente estúpida existe por que Peter Jackson consideró el plano "tremendamente interesante y evocador". Un tio corriendo en llamas y arrojándose por el tejado es tremendamente interesante y evocador. Olé tus huevos. Por una mierda de plano que no proporciona emoción ni información de ningún tipo se cargan toda la puñetera verosimilitud de la peli. Así, con dos cojones.



-El moco verde de la perdición.

La batalla de 55 minutos que significa todo el segundo acto de la película es ganada POR UNOS PUTOS FANTASMAS. No son zombies ni esqueletos que puedan ser destruídos. Sino fantasmas inmortales. Y no es que los fantasmas "aterren" al enemigo. No, no, se los cargan de verdad. Y ni siquiera en un ambiente siniestro. A plena luz del día. Por si todo esto fuera poco, los espectros en cuestión no necesitan usar sus armas translúcidas: se comportan como un producto de limpieza que desintegra a los orcos que encuentra por su camino.

Amigo, compre Cillit Bang y la suciedad se va en un... ¡Bang!

En mi opinión era totalmente imposible rodar peor la secuencia. De hecho, he de admitir que a alguien si le he oido quejarse de esto. Es decir, es un fallo absolutamente evidente para todo el mundo.

Claro está, el espectador se pregunta... ¿Por qué no usan a estos tipos para ganar a Sauron? Solución: les prometió liberarlos tras una batalla. Ya ves tú que memez. ¡Si sólo van a ser cinco minutos! ¡Que negocie con ellos un ratejo!



-Mordor mide veinte metros cuadrados.

En "La comunidad del anillo" y "Las dos torres" se intuía un poco. Pero tampoco resultaba evidente que la cagarían de semejante manera. La mitad de los personajes tienen un mapa de la Tierra Media dibujado por John Howe en el cual se observa claramente como la región llamada "MORDOR" ocupa un huevo. ¿Por que, entonces, cuando llegan Frodo y Sam, se encuentran con un parque temático de tercera que no da miedo ni nada?

En la guía Michelín no te recomiendan visitar Mordor por que, aunque los orcos vivan del turismo, lo cierto es que en el sitio no hay mucho que ver y se puede recorrer entero en menos de un día. Los únicos sitios de interés son las ruinas de Barad-Dûr (que cobran entrada) y el Monte del Destino (que siempre está lleno de turistas). Además, las dos tabernas son de escasa calidad.

Asi se hunde todo cuando tiran el anillo, que se abre el suelo sin ningún tipo de lógica, tragándose medio país. Me hubiese gustado ver a Peter Jackson diciendo "Y ASÍ CONCLUYE LA LEYENDA DE LAS PISCINAS MUNICIPALES DE GONDOR".



-Sauron es UN PUTO FARO.

Esta es la peor de todas. El fallo más lamentable, ridículo y brutal con MUCHA, MUCHA diferencia. Y no se la he oido decir A ABSOLUTAMENTE NADIE. Nadie se ha quejado de esto en diez jodidos años. ¡Venga ya, por favor! ¡Seamos serios!

Lo siento mucho por los puristas pero habría preferido mil veces más ver a Sauron combatir en la Puerta Negra. De hecho, me parece un despropósito mayor a nivel cinematográfico y un desprecio más grande a la obra de Tolkien convertir al supervillano de la función en un faro de cárcel.

Hacer que el "Ojo en llamas" sea físico y esté sobre Barad-Dûr rodeado de rayos eléctricos es aceptable. Pero un faro de cárcel... aún no me lo creo. Un puñetero faro. Más tonto que las piedras, además. Que cuenta uno a uno los orcos que tiene a ver si le ha escapado alguno. Que se queda cerca de veinte minutos observando a Frodo escondido detrás de una piedra y en cuanto le montan una maniobra de distracción totalmente ridícula, se olvida.

¿Y esta linterna de mierda pretende conquistar el mundo? Ya sabía yo que toda la trilogía era una alegoría de los males del ministerio de obras públicas y urbanismo...


No quiero creer que los ATCHON BURIKE anteriormente mencionados anulan toda la épica del filme: Gandalf derrotando a los Nazgûl, el encendido de las almenaras, la canción de Pippin, la última carga de los rohirrim, Sam llevando a Frodo a cuestas...

Como cierre de una saga complciadísima supongo que estamos ante un experimento la mar de correcto. Pero a mi me gustaría ver un re-montaje que anulara los cuatro repulsivos cosos anteriormente mencionados.

Y hasta aquí mi disertación. Espero haber proporcionado ideas, datos, puntos de vista e informaciones nuevas para vuestras mercedes. Y si no, por Crom, que podéis iros al infierno.

Hasta nuestro próximo encuentro, disfrutad de la vida. ¡Nos vemos por aquí, compañeros!

Las chicas naturales son las que nos gustan

Mi pasión por las criaturas extravagantes me ha acabado llevando, irremediablemente, al terreno sexual. Afortunadamente, hoy vamos ha hablar de entidades femeninas y no grotescos métodos de obtener placer con Basiliscos y Ogros de dos cabezas.

Hoy desearía teorizar sobre la profunda huella que las más extrañas damas dejan en nuestra corazón. No me refiero a las chicas "raras". Ni siquiera a las chicas "muy raras". Me refiero a esos auténticos MONSTRUITOS.

Y es que las brujas siempre son más interesantes que las hadas, y, por mucho que lo neguemos, todos preferimos liarnos con una LAMIA antes que con una NINFA.

MÍSTICA

Vamos a ver. Ese conflicto entre Cíclope y Lobezno, ¿a que leches viene? A absolutamente NADIE le mola Jean Grey... ¡¡Nos gusta MÍSTICA!!

Por que es malvada, pelirroja y tiene la piel azul. Posee dos tetas como dos carretas (un atributo habitual en el universo Marvel) y unos preciosos ojos color dorado sin pupila. Lo de que cambie de forma es lo de menos (aunque a algún perverso pornógrafo disfrutará con la idea de que su sexo sea mutable).

Todos sabemos que, aunque se pase el día cabreada, en el fondo se trata de una bellísima persona. Una mujer moderna que ha alcanzado las mas altos honores en los muy dignos trabajos de terrorista y asesina a sueldo. Por si fuera poco, la muchacha mantiene una figura estupenda después de haber dado a luz a nada menos que tres chavales (Graydon Creed, Rondador nocturno y Pícara).


LA MUJER PANTERA

Personaje totalmente ajeno a la novela de H.G. Wells "La isla de dr. Moreau" que, sin embargo, ha aparecido en las tres adaptaciones cinematográficas de la misma. Y es que las hembras humanas ronroneantes y que clavan las uñas son la fantasía de muchos. Pero, más allá de esos detallicos, Lotha es una figura trágica a la altura de los poemas del pasado, la personificación de la pasión animal y la inocencia. En parte una doncella angelical, pero también una bestia salvaje que tiene la imperiosa necesidad de AMAR para empezar a ser verdaderamente humana... o algo así.


LA MONA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

¿Que razones tiene Charlton Heston para liarse con la troglodita esa? ¡La chica no tiene NADA en la cabeza! Sobre todo estando la maravillosa doctora Zira. Pero claro, siempre se valora la efímera belleza de juventud frente al intelecto. Grave error.

Todos sabemos que si el bueno de Cornelius desconfía del "humano" no es tanto por la presión político-religiosa como por que el tipo en cuestión quiere levantarle a su chica. Una sospecha que queda demostrada en ese beso de despedida final, uno de los momentos románticos más intensos de la Historia Cinematográfica Mundial.


LA NOVIA CADÁVER

Este personaje es trampa. No vale. Por que está pre-fabricado para que te mole. Y no tiene punto de comparación con aquella muñeca de trapo majísima de "Pesadilla antes de navidad". pero viene al caso por que demuestra lo que intento explicar con este extenso compendio de chorradas: las mujeres locas, semihumanas o no-muertas siempre resultan infinitamente más atractivas. Entre otras cosas, por que siempre tienen las mejores canciones.


LAS NOVIAS DE DRÁCULA

A todo el mundo le gustan las vampiresas.

Johnathan Harker era un mariquita y por eso Mina prefiere al conde transilvano (aunque luego diga lo contrario). Por que, vamos a ver, pasas un verano encerrado con tres pibones deseosos de lamerte enterito... ¡¡Y HUYES ATERRADO!! Inconcebible. ¿Que es lo peor que te podía pasar? ¿Que te mordieran? Malditos católicos irlandeses llenos de prejuicios...

Aunque más que estas tres furcias (las cosas como son) a mi siempre me intrigó Lucy Westenra. Vale que devora niños, ¡pero es una señorita con muchísima personalidad!


LA NOVIA DE FRANKENSTEIN

¡Y otra novia más al saco! Aunque esta es, probablemente, la más mítica de todas. Me refiero, como no, a la novia de Frankenstein. O, más apropiadamente, la novia del monstruo de Frankenstein. Que la gente luego se confunde.

La pobre no llega ni a hablar, pero por defecto resulta bastante más simpática que la pija esa de mierda que se va a casar con el doctorcito. Y como olvidar ese maravilloso peinado...

Además a la pobre se la cargan sin comerlo ni beberlo (aunque de forma mucho menos violenta que en la novela, algo es algo). Reivindiquémosla una vez más.


MEDUSA

Lo mejor con diferencia de la versión de 2010 de la leyenda de Perseo (aunque según algunos el largometraje es tan repulsivo que no tiene nada "mejor") es la aparición de nuestra amiga Medusa. Una chica antaño majísima a la cual Atenea maldijo con una permanente de lo más antiestética. Claro, a la pobre se la ha quedado un humor de arpía (¡chiste mitológico!).

El personaje está diseñado por Aaron Sims y utiliza los rasgos de la modelo Natalia Vodianova (benditas sean las mujeres del Este). Aunque, sinceramente, a mi me da la sensación de que se han limitado a coger el modelo de la Reina Medusa del Heroes III y a tomar por saco. Harryhausen creó a su gorgona con un aspecto repulsivo por que, según él, en la mayoría de ilustraciones aparecía con aspecto corriente y eso era absurdo considerando que su fealdad podía convertir a la gente en piedra. Asi que esta visión moderna viene a ser un paso atrás en la concepción del mito. Tampoco puedo decir que me importe demasiado, la verdad.

Me encanta la apariencia de la muchacha. Aunque tenga escamas y cuerpo de serpiente, da lo mismo. Es guapa y campeona olímpica de tiro con arco. Me gustaría casarme con ella y convertirla en una mujer decente. También señalaré su excelente gusto para la lencería metálica (al más puro estilo Red Sonja). Lo de que al mirarla directamente te convierta en piedra es un contratiempo menor: hoy día todo el mundo usa webcam y móviles para comunicarse.

Además, se la ve una chica cultivada. Ya ves, ahí encerrada todo el día en el puto templo y con años indefinidos por delante. Seguro que ha estudiado varias carreras. Y no me parece para nada peligrosa, sencillamente NADIE se ha molestado en mantener una conversación con ella. Además, que si quiere cargarse a unos Hooligans que cometen "allanamiento de morada", está en su pleno derecho, faltaría plus. Igual antes de coger el arco estaba haciendo un sudoku tranquilamente. O aprendiendo termodinámica. No, si encima será ella la mala, no te jode.


Luego está la Medusa de "Percy Jackson", también diseñada por Aaron Sims pero con un aspecto mucho más "mundano". No despierta tanta ternura ni amor platónico como la versión reptiliana-rusa-ordenadoresca, pero, que diantre, también tiene un carisma arrollador.
Uma Thurman nunca me ha gustado especialmente pero debo admitir que disfrazada de gorgona mola TANTÍSIMO que su escaso papel en el filme sólo puede ser calificado de error garrafal. Esas gafas de sol, ese traje de cuero negro, esa actitud de perdonavidas...

Evidentemente, semejante personaje merecía convertirse en el BOBBA FETT de la peli, persiguiendo incansablemente a los protagonistas durante todo el metraje e incluso sobreviviendo al final para planeat nuevas maldades. ¡Que gran oportunidad han tirado por el retrete!




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Hay cada maleducado...